中国画的由来，及古代中国画叫什么名字?

中国画，又简称国画，古时称为丹青，泛指中国传统的绘画艺术，是琴棋书画四艺之一。狭义的国画指青绿设色画水墨画，而广义的国画则是中国传统风格的壁画、锦画、刺绣、重彩、水墨画、石刻乃至年画和陶瓷上的绘画等的艺术，也包括近代的中国油画和水彩画等。
中国画起源古代，象形字，奠基础；文与画在当初，无歧异，本是一个意思。我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分。
陶器是新石器时代的产物，陶器分黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址西安半坡村出土的彩陶上，画有互相追逐的鱼，跳跃的鹿。甘肃永靖出土的一件摹拟船形的陶壶，使我们如身处岸边，情景历历；还有青海大通上孙家寨发现的舞蹈彩盆上，绘有三组五人携手踏歌图，表现出青春的活力，它是研究中国画史的根源。在新石器时代的晚期，辛店和龙山诸文化遗址中，发现了我国最早的青铜器，它是器物，又是工艺美术品。常见的青铜器饰纹，有晏吞纹、云雷纹、夔纹、龙纹、虎纹等，也有用人体作为装饰的花纹。双夔合成的容谷纹，尾部多上卷，极富美观。
青铜器物上的装饰画，主题约可分为两类，一是描写贵族生活中的礼仪活动，如宴乐、射礼、表祭等；一是描写水陆攻战等，如赵固出土的《刻纹铜鉴》，集中表现了贵族生活的仪礼活动；另一类是描绘水陆攻战的图象，以山彪镇出土的《水陆攻战纹鉴》为代表。其他百花潭铜壶，故宫《宴乐铜壶》都有表现战争景象的图画。这些画幅中，有水陆交战、坚壁防守、云梯攻地等情节。还有描绘水战、陆战的阵势中，表现了冲锋击杀攻坚的细节。士兵有的执剑和戟，有的持戈和矛等，形象生动。这些艺术手法，给汉画石刻、砖刻以很大的启发和影响。
早期的中国绘画是画在丝绸上的，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。春秋战国最为著名的有《御龙图》帛画。它是在丝织品上绘画。直到前1世纪发明了纸张后，丝绸渐渐被较低廉的物料所取代。而到东晋时期，绘画及书法在中国的朝廷圈子成为最受注重的艺术，而那些作品多数由贵族及学者所绘画。当时的绘画工具为由动物毛发制造的毛笔及由松制煤烟或动物胶制成的中国墨水。名书法家的作品在中国历史上均受到高度的重视，并会像画作一样挂在墙壁上。
两汉和魏晋南北朝时期，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画和风俗画成为中国画的主流。
在六朝时期，人们开始欣赏绘画的原本的美，而且亦会写下有关绘画的著作，他们在表达儒家思想如夫妇父子之礼的同时，亦会追求图像的美感，并有神仙气。如顾恺之绝世遗作《女史箴图》、《洛神赋图》，秀骨清像、临风登仙，不食人间烟火。
在隋唐朝年间，宫廷人物画大为发展，从画家周昉的作品中可以看出其主题环绕皇宫的人物如皇帝、仕女等，无论是《虢国夫人游春图》还是《簪花仕女图》，都弥漫着华美堂皇之气[1]。在南唐年间，人物画的优美的写实手法发展至颠峰。在此时期，有画圣之称的吴道子出现为中国画的发展带来转变。吴道子利用称为"兰叶描"的线条手法去表现事物，改变了当时盛行的顾恺之画派。自唐朝开始，山水画的数量开始增加，并分为李昭道的"青绿山水"与王维的"水墨山水"两派各自发展。
到了宋朝，对地貌的描绘开始表现得较为隐约。画家们以模糊的轮廓去表现出远处的景物，而山的外形则隐没在浓雾中。绘画的重点放在表现出道教及佛教中天人合一的思想。在此期间著名的画家有《清明上河图》的作者张择端及以山水画著称的夏圭等。除了以表现立体事物的手法为目标的画家外，另一些画家们则以另一目的去进行绘画，宋元以降，文人时代开始崛起，北宋苏轼提出以书法融合于绘画当中，而他及许多大文人等开始了文人画的风气，以苏轼、米芾憨沪封疚莩狡凤挟脯锚为代表，逐步确定了中国画崇尚平淡冲和的审美方式。而在此时开始很多画家都把绘画的重点放在如何表现物件的内在精神而不是其物质上的外表，更多关注笔墨自身的转变与变化。例如米芾长子，南宋大画家米友仁，发展了米芾技法，自成一家。其传世名作《云山图》，不在于他画的山像山、树像树，而是在于他的局部、细节，水墨横点、连点成片，虽草草而就，却不失天真，故自题其画曰“墨戏”。
在13世纪开始，比宋朝画颜色更为丰富的明朝画出现。而包含了众多绘画大师精髓、成为此后中国绘画入门教科书的《芥子园画传》在1679年首先出现。在画派方面，则一方面有仍然保留元朝文人画特色，以沈周为首的吴门画派吴门画派，另一方面则有力求把宋朝画重生及转化，以戴进为首的浙派。到了清朝早期，奉行个人主义的画家开始出现，他们一反以往遵行绘画的传统，而追求更为自由的画法。而到了17及18世纪，扬州及上海等大型商业城市因为商人出资资助画家们不断创新而令那些地点成为了艺术中心。到了18世纪后期及19世纪，中国画家接触到更多的西方绘画，一些画家完全舍弃中国画而追求西方画，另一些则力求融合两者，当中最为著名的为由农民家庭出身的齐白石。
水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。中国水墨画的特点是：近处写实，远处抽象，色彩单调，意境丰富。
黑白调子的水墨画早期都是以山水画的形式来表现的，虽然仅有黑与白，但因为纸色的关系，其实是略为偏黄的。彩色的水墨画在近代有泼墨山水的应用，也有水墨动画的应用。
与水墨画有关的还有水墨版画。与一般版画不同的是，水墨版画虽然也是木刻版画，但使用宣纸做为纸材，在不同的地方重复水墨印刷，层层渲染的效果，使得每一张作品都明显不同，也具有水墨画的美感。
水墨画有着自己明显的特征。传统的水墨画，依南朝谢赫的古画品录评论：
讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。
讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，浓、淡、破、泼、渍、焦、宿。
讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。
讲究空白的布置和物体的“气势”。
可以说西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。中国画并不只是宣纸上的点染勾勒，国画是要表现“气韵”、“境界”，实际上是一个系统的思想集成最终的表现。意、识、灵齐备，诗、书、画一体，诗为画之意，书为画之骨。技法之熟，可呈胸臆；画面之外，可留思想，这也是判断中国传统书画作品艺术价值高下的实质所在。
国画历史悠久，在东周墓葬中出土过最早的帛画作《龙凤仕女图》，存世最早最完整的作品是南北朝时期顾恺之的《女史箴图》。
宋朝以前绘图在绢帛上，材料昂贵，因此国画题材多以王宫贵族肖像或生活记录等，直至宋元朝后，纸材改良，推广与士大夫文人画兴起等，让国画题材技法多元。
“书画”则是书法和绘画的总称，尤专指东亚传统的书法和绘画。由于东亚作画传统以墨为主，并辅以书法题字，在画作上题诗，为书画同源之始，因此两者经常并称。
明朝之后，绘画推广到大众，成为市民生活的一部份，风俗画因此产生。清末，西风东渐，绘画材料多元，加入了西画元素，朝多方面发展。
国画和西方绘画的原则有许多不同的地方，其重在神似不重形似，强调观察总结不强调现场临摹，运用散点透视法不用焦点透视法，重视意境不重视场景。现代国画的发展也开始吸收西方绘画的一些技巧，如明暗光影的配置，人体解剖的准确等，也有画家将国画的意境用于油画创作上。
中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、鸟兽、花木、墨竹、果蔬等。南宋邓椿《画继》分八类（门），即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。元代有“画家十三科”，但内容相当庞杂，作为分类标准不适宜。
当代国画在世界美术领域中自成体系。按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

“国画”这个词在20世纪的诞生
水天中在《“中国画”名称的产生和变化》一文中指出，“把我们民族的绘画叫做‘中国画’，是近百年内才出现的事。” 其实这是不准确的。至少在明末，随着传教士将油画艺术带到中国之后，将这种“西洋画”与本土的中国绘画（被称为“吾国画”、“中国之画”、“中国画”等）对应比较的风气，就在中原大地上悄然兴起了。如明末姜绍书《无声诗史》中对中西绘画进行的简单的比较，惊叹于西洋绘画的严谨的造型，称“中国画工无由措手 ”；崇祯八年（1635）年，刘侗、于奕正在《帝京景物略》中，亦称此为“中国画绘事所不及”。这种简单的类比直到20世纪初的各类笔记、文献中依然比比皆是，“中国画”的称谓也逐渐被普遍接受。然而，这时的“中国画”从概念的外延上依然比后来的“国画”要大的多，可以认为基本上就是用来指代中国历代绘画的一个总称。蔡元培1918年4月15日在国立北京美术学校开学式上的演说中明确指出：“中国画与书法为缘，西洋画与雕刻为缘。” 尽管有一种附和“中西二分”的对比之风尚的嫌疑，但可以认为，如此体系性的认识是建筑于对中国绘画史的总体面貌的把握和理解之上的。但根据笔者的调研，直到1919年的新文化运动之前，没有任何资料支持“国画”这一概念已产生或应用。
1、1919年：“国画”的第一次诞生
历史的转折发生在1919年的“五四”新文化运动之后，这一年，一场关于“整理国故”的运动的争论肇始于思想氛围活跃的北京大学。一时间，在“保存国粹”“发扬国光”等等对这场运动庸俗化的曲解之下，“国”字风靡一时，许多“中国有，外国没有”的东西，被创造性地与“国”字这个定语联系到了一起。国乐、国医、国菜等等概念相继问世，肩负着民族国家文化复兴使命的“国画”概念也在这一阶段应运而生。如1923年成立的广东癸亥合作社（1925年改称国画研究会）的宗旨是“研究国画，振兴美术 ”，1926年苏州成立“国画学社”等等，都是比较早的“国画”的记载。尽管遗憾的是我们已无法追查到“国画”概念的始作俑者，但根据当时著名的文人何炳松、郑振铎等人对这样一种“言必称‘国’”的社会风气的记载，我们可以不难看到“国画”概念产生的必然、盲目与急切。如1923年1月顾实指出：“迩来国家观念普及于人，……种种冠以“国”字之一类名词，复触目皆是。” 而1923年癸亥合作社的立案呈文中更是明确宣告：“国画关系一国之文化，与山川人物、历史风俗，同为表示一国特性之征。” 可见，“国画”概念产生的背后动力也是“国家观念”的普及。在强劲的西风吹袭之下，“Painting”终于在中国的传统之中找到了它的被制造出来的对应物，从而，“国画”这一概念初次诞生了。
但我们需要注意到，这一时期所说的“国画”，从外延上更接近于此前使用的“中国画”，与今天的所说的“国画”仍然有很大不同。在发表于1926年11月12日《一般》上的《国画漫谈》一文中，同光（署名）写道：
年月日，我说不清，总之有所谓“国画”在中国学校中成为一种科目之日起，“洋画”也和其他科学一样，为中国人士所学习并且被欢迎起来了，因此“国画”之名，遂应运而生。原这名之所由立，本系别于“洋画”而言，譬如有洋货而后又国货之名，由洋文而后有国文之名，初固无轩轾于其间也。
可见，在“国画”概念产生初期，除了平添了一些浓郁的民族色彩而外，这个概念的所指基本上与“中国画”是等同的，史实也表明1920-1940年代中，“ 国画”与“中国画”两个概念在美术界认识内部往往都没有明确的界定，1931年成立的上海“中国画会”的出版物名为《国画月刊》即是一例，当然，也有诸如潘天寿等“传统型”画家坚持使用“中国画”这一名称。但尽管是作为憨沪封疚莩狡凤挟脯锚“国故”即中国传统文化的身份登场，但毕竟在西方艺术大潮的冲击之下“国画”从一开始就被赋予了“Painting”这样一个代表油画的英文对等名称。从而，在“艺术”这样一个来自于西方的新视角下，传统中国绘画的面貌难免发生各种各样的误读与西化。同时也正是因为这种命名的暧昧性，宣告了中国绘画在1920年代以后将要继续面临着被动而痛苦的发展之路。
中国画，起源古，象形字，奠基础；文与画，在当初，无歧异，本一途。
我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、苍颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分

国画有悠久的历史和丰富的遗产，从已知独幅的战国帛画算起，至今已有2000余年的历史。如果从内蒙古、甘肃、山东、新疆以及东北各地的原始岩画和1986年发现于甘肃秦安大地湾原始地画来看，它的历史已不下5000年。
中国画简称“国画”，原来是泛指中国绘画，是为了区别于明末传入中国的西画而出现的概念。解放前称中国画为“国画”、称中医为“国医”、称中国武术为“国术”、：称京剧为“国剧”、称广东音乐为“国乐”，这些冠以“国”字的名称解放之后都已改掉，唯有中国画仍保留“国画”的名称（50年代曾一度改称“彩墨画”）。
中国人物画
中国人物画自魏晋南北朝开始分为工笔和写意两大体系，以顾偿之、陆探微为代表的“细密精致而续丽”的画风。造型准确精细，色彩鲜艳富丽，称之为“密体”；以张僧跷为代表的简练概括的画风，人物造型简练，赋彩单纯“迹简意淡而雅正”称之为“疏体”。唐代吴道子突破了当时工细密描、重彩积染的一般画风，创造了水墨淡彩及白描的新形式，吴道子作画时“落笔生风”，在用线上，追求遒劲雄壮，飞扬流动的美感，即所谓“吴带当风”，在用色上，“焦墨痕中略施微染，自然超出绩素”即所谓“吴装”。
两宋人物画相当发达，出现了不少杰出的人物画家，题材范围也比过去更加广泛。元代以后，由于主流转入山水和花鸟，人物画走向衰微。明清和近代出现了不少优秀的人物画家，特别是任伯年，继承文人画的笔墨，大胆吸收西洋画的技法，他既有深厚的传统功底，又善于汲取外来艺术的长处，从而创造了雅俗共赏的风格，拓宽了人物画的，创作途径，对现代人物画的发展产生了巨大的影响。从五四运动前后到新中国成立，李叔同、徐悲鸿、刘海粟等艺术大师，适应新时代的要求，把西洋绘画引入中国，促进了中国传统绘画的改革。创造出大量无愧于时代的优秀作品，使中国传统人物画，走向新的境界，并冲出国门走向世界。
中国山水画
中国山水画作为一个独立的画种，美术史学者一致认为是：“始于唐、成于宋、变于元。”虽然早在东晋顾恺之的《洛神赋图卷》上已出现了山水树木，但它是作为人物的背景，有浓厚的装饰风味，现在所能看到最早的山水画。是隋代展子虔的《游春图》（可能是唐人摹本，近于原作）。其基本画法是有勾无鼓，极重视色彩，所描绘的湖光春色艳丽明媚。唐代以李思训、李昭通父子为代表的一批青绿山水画家，继承并发扬这一传统。盛唐吴道子进而发展了简练而又写实的山水画法，王维、张澡及中晚唐画家创造了水墨山水，此即山水画“始于唐”。五代两宋山水画发展很快并达到一个高峰。这一时期理法大备，名家辈出，如“荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽以及马远、夏圭等、著名山水画家的作品对后世影响深远，即所谓“成于宋”。元代始于赵孟�\，完成于元四家（黄公望、王蒙、倪鲢、吴镇）的又一次重要变革，摆脱了宋人院体画风格，重视主观抒发，追求简淡高逸、苍茫深秀的艺术情趣。他们用于笔鼓擦代替湿笔晕染，逐渐用纸张代替绢素，此即“变干元”。
明清两代画派纷起，风格多样，技法更加丰富。但明末清初的山水画创作出现了两种倾向，一种是崇古守旧，以模仿为主，强调笔墨技巧，脱离现实生活，明代董其昌是这倾向的代表人物；另一种倾向是打破前人陈规，勇于革新，创造出富有生活气息的山水画。清初“四僧”是这种倾向的代表人物。
清末民初及新中国成立以后，相继涌现出很多优秀山水画家，黄宾虹、傅抱石、李可染、钱松喦?等都是学博艺高的山水画大师。近十几年山水画得到空前发展，新秀辈出，他们勤奋好学。很少保守思想，善于多方面吸收营养，勇于探索和创新，使山水画风貌和技法日趋多样，富有时代精神的山水画新作不断问世。新内容、新形式，风格各异的新山水画在百花园中，争奇斗艳，为中国画的发展创新作出新的贡献。
中国花鸟画
中国花鸟画的题材内容非常广泛，举凡花卉、翎毛、走兽、草虫、鳞介、蔬果、树石、器物、池沼、溪潭、林莽、草地等等，除人物以外，自然界的一切几乎都属于花鸟画的表现范畴。生活中的花鸟本身就有着人们共同感受的自然美，它们可以陶冶情操，令人心旷神怡，如牡丹之富丽，水仙之素雅，松竹之刚劲，藤萝之繁茂以及仙鹤之举止不凡，雄鹰之志在千里，孔雀之美丽卓艳……都能给人以美的享受，引起美的共鸣。
中国的花鸟画不仅是表现花鸟之美，而且是以描绘花鸟为媒介，抒发和表达人的观念和情感。历代中国花鸟画家巧妙地运用喻、比、兴等手法，通过富于情感的花鸟形象，表述画家对当时的社会、人生的体验和认识。清代郑板桥时常借竹抒发自己的胸襟，如他在一幅墨竹中题诗云：“咬定青山不放松，立根原在乱岩中，千磨万折还坚劲，任尔颠狂四面风。”他以竹子坚劲挺拔，不畏“千磨万折”不屈不挠的精神，倾吐他一生坎坷、屡遭打击的不平和他的刚正不阿、孤做倔强的性格。金农伤时不遇，尝以梅兰自比，表现他对现实的反抗心情，他在一幅墨兰上题：“若被春风勾引去，和葱和蒜卖街头”。我们可以从中体昧出他对当时社会的愤恨。现代的花鸟画作品，在技法上继承传统，大胆革新，在思想内涵上赋予新的时代精神，以新的花鸟画歌颂和赞美社会主义祖国欣欣向荣、繁花似锦的美好生活。